Programme : Alliance

Accueillant entre 10 et 15 artistes, collectifs et compagnies par année, le programme Alliance est une structure de soutien unique dans son genre dédiée aux besoins des artistes qui créent dans des conditions de marginalité.Le programme offre aux participants un appui continu de la part du MAI ainsi qu’une allocation spéciale qui sert à couvrir une large gamme de services liés au développement créatif et professionnel de l’artiste. Alliance est destiné aux artistes en début de carrière, aux artistes plus âgés (55 ans et plus), et à tous ceux qui cherchent à prendre leur place dans le milieu artistique de la ville.

natsumi sophia bellali

Natsumi Sophia Bellali est née à Tiohtià:ke /Montréal d’une mère japonaise et d’un père marocain. Elle a gradué de The Ailey School à New York où elle a cultivé son admiration et son respect envers la danse moderne, ainsi que pour d’autres styles que la ville lui a apportés. Elle a performé avec MICHIYAYA Dance et Ping Chong + Company, et a été danseuse double pour le Mark Morris Dance Group. Bellali utilise chaque plateforme qui lui est offerte comme vaisseau pour partager les merveilles de ces origines; allant de courtes pièces pour des compétitions, à des productions à plus grande échelle, à sa propre œuvre Salam Tata présentement en création. Elle partage sa pratique davantage en enseignant dans des centres du bien-être, des studios de yoga, des écoles pré-professionnelles, ainsi qu’en soutenant des athlètes d’autres disciplines à travers la danse. 

C’est quoi être enfant d’immigrants à Montréal? Salam Tata illustre cette identité si unique et complexe. À travers des conversations téléphoniques avec une tante, cette œuvre aborde des thèmes allant de la beauté, le marriage, la religion à la féminité. Salam Tata compare les attentes qu’ont la famille au Maroc avec la réalité et les dilemmes qu’elle fait face dans son quotidien à Montréal, par les moyens de la danse et le théâtre.

emilio wawatie

Emilio Wawatie est un Algonquin-Anishnabe de Kitigan Zibi et de Barrier Lake, au Québec, et est musicien, cinéaste, chercheur et éducateur. Né à Maniwaki et élevé à Anishnabe Aki dans le parc Laverendrye, en Abitibi et à Gatineau, il réside maintenant à Moniak, où il étudie à l’Université Concordia en musique et en études autochtones. Emilio a commencé son voyage musical quand il a découvert à jouer de la guitare à l’âge de 12 ans grâce à l’influence de son grand-père et a poursuit sa passion pour la musique et ses études de la guitare classique à l’âge de 22 ans. C’est au Collège Cambrian qu’il commence à construire sa fondation musicale et reçoit une formation de guitare classique avec Mathew Gould et Alan Yzereef, où il prépare, organise et donne un récital de fin d’études. Au cours des dernières années, le travail d’Emilio s’est orienté vers la recherche et la création en mettant l’accent sur la musique algonquienne et les styles artistiques des pratiques traditionnelles et contemporaines. Il travaille actuellement sur son premier EP en tant qu’artiste avec InPath et compose pour la guitare classique.

auro moura

Auro Moura est un chanteur-compositeur et éducateur de musique qui travaille dans le domaine de la musique depuis près de 20 ans. Il est titulaire d’une maîtrise en musique et d’un diplôme en éducation musicale de l’Université fédérale de Paraná (Curitiba, Brésil) ainsi que d’un diplôme en production audiovisuelle de l’Institut Grasset (Montréal). Auro a une longue et éminente carrière d’éducateur musical. Il est actuellement cofondateur du programme Les Brasileirinhos et directeur musical du « Choeur Scénique Brésilien », tous deux à Tiohtià:ke /Montréal. 

En tant que chercheur, Auro a publié dans des congrès et symposiums au Brésil, en Italie, au Canada et dans des magazines spécialisés dans l’éducation. Il a publié le livre « Making Music with Children », actuellement en 3e édition.

En tant que musicien, il a composé et interprété de la musique pour 4 albums, 1 EP et 1 DVD. Outre ses projets personnels, Auro travaille comme compositeur de chansons et de bandes sonores pour des projets destinées aux enfants, des courts métrages et de la publicité. 


Site web : www.auromoura.com

amandine gay

Réalisatrice, autrice, activiste, Amandine Gay partage son temps entre recherche, création et « affaires de papiers ». Elle est de retour à Tiohtià:ke /Montréal depuis Juin 2022 – après une saga d’immigration qui aura duré 8 ans.

Après, Ouvrir La Voix – son premier film autoproduit et auto-distribué qui donne la parole à vingt-quatre femmes afro-descendantes francophones – sorti dans les salles françaises, belges et suisses en 2017 et québécoises en 2018 ; elle réalise un second documentaire, Une Histoire à Soi. Ce film d’archives sur l’adoption internationale du point de vue de 5 personnes adoptées, aujourd’hui adultes. Elle intervient régulièrement comme conférencière à propos de l’afroféministe, du cinéma, de l’intersectionnalité ou de l’adoption. En 2018, elle fonde d’ailleurs le Mois des Adopté·es , une série d’événements (conférences, projections, performances, ateliers, etc.) se déroulant tous les ans au mois de Novembre entre la France, la Suisse et le Québec afin de permettre aux personnes adoptées de se réapproprier la narration. En 2021, elle publie son premier ouvrage, un essai autobiographique sur l’adoption, intitulé  Une poupée en chocolat aux éditions La Découverte (France) et Remue-Ménage (Québec).

Ses nouveaux projets visent à poursuivre et approfondir son dialogue entre le monde de la recherche et de l’art, par une réflexion-création protéiforme autour de la suprématie blanche impliquant la rédaction d’un essai, la curation d’une exposition et l’édition d’un catalogue d’exposition. Elle compte aussi s’appuyer sur le soutien d’Alliance pour développer sa carrière du côté anglophone de l’Amérique du Nord, en particulier en travaillant sur la traduction et l’édition en langue anglaise de son premier ouvrage littéraire. 

Site web: https://linktr.ee/orpheonegra
Crédits photo: Jean-Baptiste Demouy (Radio-Canada)

nicole jacobs

Membre de la Première nation de Curve Lake et artiste de la danse établie à Montréal, Nicole Jacobs a suivi une formation en ballet, en jazz, en claquettes, en acrobatie et en théâtre musical avant d’obtenir un baccalauréat en danse contemporaine et une mineure en psychologie de l’Université Concordia. Nicole est une danseuse et une animatrice expérimentée en contact improvisation, ayant étudié intensément cette forme de danse en voyageant, en enseignant et en participant à l’organisation de festivals de contact improvisation en Inde, en Thaïlande, au Portugal et en Allemagne. Nicole a participé à de nombreux projets en tant qu’interprète et animatrice au Québec avec Theatre Junction, St. Ambroise Montréal Fringe Festival, Take Up Space Dance, Chantiers Jeunesse et Le Gros Orteil. Son répertoire d’enseignement comprend le développement d’ateliers qu’elle a animés chez BIGBANG, au studio Extravadanse, au Collège Sainte Anne et dans le cadre de formations privées. Elle développe également des classes de danse accessibles pour les populations neuro-diversifiées qu’elle a partagées à travers le Canada et l’Angleterre. Les recherches actuelles de Nicole se concentrent sur les points de rencontre entre la danse contemporaine, le travail au sol, l’acrobatie et l’interprétation. Elle s’intéresse à la fusion des disciplines et s’inspire de sa formation en théâtre et en arts du cirque pour créer des œuvres de nature expérientielle et poétique.

Crédits photo: Robert-Majewski

marc-alain félix

Marc-Alain Félix est un artiste-peintre canadien d’origine haïtienne, résidant à TioTia:Ke/Montréal. L’artiste concentre ses efforts sur l’être humain. Il traite l’ensemble de ses relations, ainsi que les enjeux de notre société. Il décrit aussi l’impact des influences de la culture populaire sur notre quotidien. Dans son travail, il utilise des couleurs éclatantes et des traits outranciers. Il peint sur le coup de l’impulsion par une approche intuitive. Ses œuvres constituent une fusion d’art figuratif et abstrait, qui reflète son imaginaire et ses perceptions de notre époque. Marc-Alain veut transmettre des sentiments au public, il veut lui offrir quelque chose à regarder dont il se souviendra. Parfois disproportionnés et dynamiques, dans le but de leur donner une plus grande intensité expressive, les personnages sont placés en avant-plan dans ses œuvres. Naviguant entre réalité et imaginaire, il fait parler ses toiles à travers des signes et des symboles.

Dans le cadre du programme Alliance, Marc-Alain Félix vise à améliorer son plan de communication afin de créer des liens significatifs avec de futurs collaborateurs-trices, tels que des responsables de galeries, des curateurs-trices ainsi que des commissaires. L’artiste sera accompagné l’équipe en mentorat du MAI, ainsi que par un réseau de partenaires pour la rédaction de projets et le développement professionnel dans le milieu de l’art visuel.

Crédit de photo: @noiremouliom

marbella carlos + chloé seyrès

Marbella Carlos et Chloé Seyrès forment le collectif d’arts de la scène Kozmic Joy, un collectif qui s’attache à fusionner les pratiques interdisciplinaires et à mettre en valeur les formes d’art et les artistes marginalisés.

Marbella Carlos (alias Joyrider) est une artiste interdisciplinaire née à Manille, aux Philippines. Dans sa pratique, elle utilise le burlesque pour explorer son expérience en tant que Canadienne racisée. Son travail lui a valu de nombreuses récompenses et performances, notamment le Bagel Burlesque Festival, Fierté Montréal 2019, Teaser Festival en Nouvelle-Orléans. Elle a été lauréate de la catégorie Best Debut au plus grand concours burlesque du monde, le Burlesque Hall of Fame de Las Vegas.

Chloé Seyrès (alias Kozmic Skater) est une danseuse de roller queer française. Ancienne athlète de haut niveau, 4 fois championne du monde et ex-membre de 2 équipes nationales, elle est aujourd’hui artiste de mouvement et coach. Elle s’est produite dans des cabarets, des événements d’entreprise et des festivals, ainsi qu’à l’écran en faisant de la capture de mouvement pour le jeu vidéo Rollerchampion. Elle a été danseuse de soutien pour Les Chanteurs Masqués de TVA, et dans des vidéos musicales pour The Sloe Gin Fizz, Raphaël Dénommé et Mike Clay. Plus impressionnant encore, elle a été engagée par le Cirque Éloize, Montréal Complètement Cirque et Fierté Montréal 2022 pour faire valoir ses talents.

jongwook park

Jongwook Park, artiste originaire de Corée du Sud, aborde le dessin comme un outil fondamental de sa pratique. En l’utilisant comme une voix, tout en traitant des éléments picturaux issus de divers référents culturels, comme des peintures populaires coréennes et des romans graphiques, il tente de découvrir le traitement unique du dessin au trait pour ses œuvres dans des formats plats, dimensionnels et en mouvement. Son travail a été présenté dans des expositions et des publications au Canada, aux États-Unis, en Finlande, en Corée du Sud et au Japon. Il aura une exposition solo à la Maison de la culture de Pointe-aux-Trembles en mars 2023. Son projet Breathing Words consiste à développer des compétences artisanales avec l’argile pour créer une série de sculptures en céramique qui seront recouvertes de mots et d’images éparses. À travers ces formes symboliques, il souhaite explorer les conditions de déplacement émotionnel et créer un paysage surréaliste pour échapper aux sentiments négatifs.

f.k.a. art club

Bio Collectif F.K.A. Art Club 

Favielle Petit Clair, Kathleen Charles et Awa Banmana forment le collectif nouvellement fondé : F.K.A. Art Club. Dans une relation de co-conspirateur, les artistes tracent des similitudes entre l’héritage haïtien de Fav et Kat et l’héritage sénégalais d’Awa. Ensemble, ils forment un puissant collectif d’artistes axé sur la manière dont l’expression créative multidisciplinaire peut être utilisée pour renforcer la résilience et la résistance de la communauté face à l’oppression systémique, pour les personnes qui vivent à l’intersection de la violence raciale et homophobe. 

Née en France, l’artiste hispano-sénégalaise Awa Banmana est une artiste afropéenne Queer émergente. Son travail s’articule autour de la pluridisciplinarité. En 2020, Banmana a participé à la création de la fresque Black Lives Matter « La Vie des Noir.e.s Compte » et a été sélectionnée pour être en résidence pour le magazine Moebius. Le clip vidéo de Banmana « KICKER », coréalisé avec le musicien Kaya Hoax, a également été présenté au Melbourne Midsumma Festival 2021. 

Favielle « Fav » Petit Clair, est une femme queer d’origine haïtienne. Ayant grandi dans une ville aussi riche et surpeuplée sa proximité avec les gens et les liens sociaux qu’elle a formés ont teinté son approche de l’art. Avec une pratique artistique afrocentrique, Favielle a obtenu sa première exposition en 2017 pour FOVA pendant le Mois de l’Histoire des Noirs. 

Kathleen Charles est une écrivaine haïtienne queer, chanteuse, performeuse, thérapeute en formation et organisatrice communautaire. Leur poésie explore le pouvoir que l’art a de guérir les communautés. Leur art, qu’il s’agisse de musique ou de poésie, est fait pour se guérir et guérir les autres en fournissant une imagerie validate pour traverser les traumatismes de l’oppression systémique.

tondóa

Depuis l’année 2016, cinq individus passionnés par les traditions de leur pays ont décidé de commencer un projet de danse. Après avoir obtenu de l’expérience dans d’autres contextes artistiques, l’envie de faire les choses différemment leur a permis de se lancer sur un chemin  inconnu. Tondóa fut un laboratoire expérimental qui brisait les conventions d’une compagnie artistique de folklore de projection. Des réflexions sur la gestion, la création d’œuvres et même la vision de nos danses traditionnelles ont été mises de l’avant avec une ouverture d’esprit inédite de la part des membres.

Durant les années de développement, l’organisation a mis sur pied des balises pour définir une façon de créer. Celle-ci devait tenir en compte du respect des traditions colombiennes tout en les faisant évoluer. Les danseurs ont donc partagé leurs connaissances non seulement de la danse, mais aussi de leurs expériences personnelles. L’âge, le genre, l’orientation sexuelle ou même l’origine devait devenir la force du groupe.

Aujourd’hui, Tondóa se définit comme une compagnie de danse de recherche et création qui nous permet de revenir aux racines tout en faisant des liens avec le contexte actuel. Comme communauté d’apprentissage, nous voulons créer un espace sécuritaire pour les échanges, les idées et le progrès pour ainsi partager avec la communauté notre vision de l’art du mouvement.

Pour l’année 2021, une restructuration du groupe est mise de l’avant pour la création de deux divisions, soit professionnelle et semi-professionnelle, avec des objectifs différents mais complémentaires pour répondre aux besoins des danseurs et du projet.