Les disciplines : théâtre

stella lemaine

© David Ospina

Artiste interdisciplinaire d’origine haïtienne basée à Montréal, Stella Lemaine développe une pratique située à la croisée de la performance, de la danse et du cinéma documentaire. Son travail explore le corps comme espace de mémoire, de résistance et de transformation. En mêlant archives, mouvement et narration, elle cherche à rendre visibles les traces invisibles du colonialisme et à ouvrir des espaces de guérison collective.

Diplômée en art dramatique profil jeu de l’UQAM, Stella a d’abord diffusé une première réalisation documentaire dans le cadre du Black Film Festival de Montréal. Le documentaire est un médium qui lui a permis d’affiner son regard sur les récits intimes et politiques. Sa pratique s’est ensuite étendue à la scène, comme interprète dans différentes productions théâtrale tel que L’Ombre une création dirigée par Marie Brassard et présentée au Centre national des arts du Canada puis à la danse lors de sa formation en danse folklorique haïtienne au centre Nyata Nyata.

Son projet Corps Noirs, amorcé en 2023, marque un tournant dans sa démarche: une performance documentaire qui s’inscrit dans une recherche autour des corps noirs, de leurs blessures invisibles et de leur résilience. Inspirée par les approches somatiques et la pensée décoloniale, cette œuvre explore la possibilité de réécrire la mémoire à travers le mouvement et la présence.

Afroféministe et engagée, Stella conçoit la création comme un acte de résistance et de réparation. Son travail se nourrit d’une quête d’humanité, d’un rapport poétique au réel et d’une volonté constante de créer des ponts entre l’intime et le politique.

nicolas fattouh

Nicolas Fattouh est un artiste de théâtre, artiste visuel et réalisateur d’animation émergent qui a récemment déménagé de Monsef, au Liban, à Montréal, au Canada. Il a participé à plus de 30 expositions d’art et ventes aux enchères locales et internationales avec ses peintures, sculptures et installations, y compris à Bonhams (Londres) en 2016.

L’amour de Nicolas pour le théâtre a commencé à l’âge de 8 ans lorsqu’il a mis en scène de petites pièces avec l’aide de ses sœurs et de ses ami-es d’école, et les a jouées devant parents et voisin·es dans son jardin. Passionné par la narration et le dessin, il poursuit sa formation en animation 2D/3D à l’Académie Libanaise des Beaux-Arts et obtient un master (premier de sa promotion) en 2017.

En 2021, Nicolas fait ses débuts dans le milieu théâtral avec sa première pièce hybride professionnelle, « Living with a Piece of Furniture », qui vise à marquer l’histoire en aidant sa grand-mère de 95 ans à devenir la présidente la plus âgée de la Sororité de l’Immaculée Conception de son village. La pièce a été sélectionnée dans de nombreux festivals, notamment le Zoukak Sidewalks Festival (Beyrouth) en décembre 2022 et le Zürcher Theater Spektakel (Suisse) en août 2023.

riley palanca

Riley Palanca (alias Revan Badingham III) est un dramaturge, producteur et metteur en scène. Sa pièce Would Virginia Woolf Contemplate Suicide if She Were Filipino ? a été présentée en première au Festival Fringe de Montréal en 2022 et a reçu le prix du « Texte anglais le plus prometteur » décerné par la Playwrights Guild of Canada. Depuis, la pièce a été récompensée par d’autres concours et a été jouée dans des festivals à travers le Canada. Premier récipiendaire du Mentorat Mike Payette en direction artistique du Geordie Theatre, dramaturge mandaté par le Theatre of the Beat’s Emerging Producers Festival et librettiste d’un cycle de chansons qui a fait ses débuts au MISE-EN New Music Festival de New York, Badingham est également artiste de la parole, romancier·ère et travailleureuse culturel·le.

Le travail de Badingham est résolument gay, reconnu pour ses personnages charmants, son esprit vif, son rythme rapide et ses explorations crues de l’intimité. Sa passion pour les comédies romantiques queer reflète son engagement en faveur de la visibilité, de la subversion et de la célébration de la joie queer.

nico contreras

Nico Contreras est un artiste interdisciplinaire canado-équatorien qui travaille entre le mouvement et le texte dans le théâtre, la danse contemporaine et le cinéma. Honoré d’avoir pu apprendre avec des mentor·e·s à travers les Amériques, du Teatro Malayerba de Quito au Aluna Theatre de Toronto, Nico a passé la dernière décennie à explorer les rapports curieux entre l’identité et l’abstraction dans la création artistique au niveau personnel et communautaire. Fondateur du programme expresARTE à l’intention de la jeunesse panaméricaine, il a récemment dirigé des processus de recherche et de création réunissant des artistes de diverses diasporas pour réfléchir de manière critique aux rôles que nos pratiques jouent dans notre vie quotidienne et notre travail.

Nico travaille actuellement sur ñaño, une pièce qui explore la relation entre frères à travers l’absence, le deuil et la perte. Il s’agit d’une lettre d’adieu et d’une collection de souvenirs éphémères, d’une exploration de la façon dont les moments que nous avons partagés font de nous qui nous sommes, et d’un témoignage du pouvoir de la mémoire de figer, de déformer et peut-être de révéler les gens que nous avons aimés et perdus.

Crédit photo: Naïma Contreras Tejpar

charles gao

Lorsque j’ai (Charles Gao) déménagé à Montréal en 2018, mon objectif était de développer ma propre méthode pour créer des œuvres plus narratives à partir de ma perspective de breaker. L’idée était d’utiliser les outils artistiques que j’avais développés au cours de mes années de breaker en tandem avec les outils théâtraux que j’étudiais, afin de découvrir ma propre forme de théâtre hip-hop. 

En 2019, j’ai commencé à travailler sur ce qui allait devenir « Welcome to the Digital Desert ». En 2020, pendant la pandémie, j’ai mis en scène une version improvisée de la pièce en plein air, dans laquelle j’ai fait jouer Johnny Abilach – un acteur et un compagnon danseur de rue. Nous sommes restés en contact depuis, dansant et échangeant souvent ensemble. Son dévouement à sa pratique de poppeur et d’acteur reflète ma propre pratique de b-boy et de dramaturge, où les deux disciplines se nourrissent l’une l’autre. Ceci nous a permis de créer notre propre langage artistique commun lorsque nous avons travaillé ensemble.

Crédit photo: Vickie Grondin

Ülfet sevdi

Ülfet Sevdi est la lauréate de l’accompagnement jumelé avec Playwrights Workshop Montréal (PWM) + MAI 2023-2024. 

Ülfet Sevdi est une écrivaine, menteuse en scène, dramaturge, artiste visuelle et praticienne du Théâtre de l’Opprimé basée à Montréal. Elle est diplômée de la Faculté des beaux-arts et du théâtre de l’Université de Mersin, en Türkiye, depuis 2001. Elle est titulaire d’une maîtrise en recherche-création obtenue dans le cadre du programme INDI de l’Université Concordia, où elle est maintenant candidate au doctorat.Son travail aborde l’histoire orale et les récits sociaux. Son approche est hautement conceptuelle, expérimentale et théoriquement ancrée dans les sciences sociales critiques. Elle a été co-fondatrice et directrice artistique de nü.kolektif (2008-2014), un collectif d’artistes multidisciplinaires basé à Istanbul et dont les performances traitent de sujets politiques. Depuis son arrivée à Montréal, elle poursuit ces démarches par le biais de Thought Experiment Productions (2015-), une compagnie de production qu’elle a également co-fondée et qu’elle co-dirige. Ses œuvres précédentes ont été financées par le Conseil des Arts du Canada, le Conseil des Arts de Montréal et la Fondation Cole. Elles ont été présentées au Brésil, au Canada, en Colombie, au Danemark, en Irlande, en Türkiye et aux États-Unis.

Motherhood, par Ülfet Sevdi

Au moment de ma mi-carrière artistique et universitaire, il y a moins de deux ans, je suis devenue mère. Je venais de terminer une thèse de maîtrise et nous étions en pleine pandémie de COVID-19. On dit qu’avoir un enfant change votre vie, mais vous ne pouvez pas le comprendre tant que cela ne vous est pas arrivé. C’est un état existentiel profond et très gratifiant, mais aussi fort exigeant. Comment faire pour continuer? Quand pourrons-nous retrouver une vie artistique normale? Notre corps de performance? Notre capacité à nous concentrer sur la lecture et l’écriture? Après presque un an de grossesse viennent les premiers mois, la première année. Le corps a changé et les contraintes – physiques, émotionnelles, psychologiques – sont partout. Le temps passe autour de nous; la vie continue. Mais l’artiste-mère ne peut pas suivre toutes les idées qu’elle a, et ne peut pas retourner à sa pratique. Cette performance mettra de l’avant la technique que j’ai développée dans ma dernière œuvre, Numbers Increase As We Count…, et que j’ai appelée « Performative Acting ». Il s’agit d’une technique basée sur des tâches spécifiques ainsi que des structures ouvertes à caractère dramaturgique. J’en ai jeté les bases dans mon mémoire de maîtrise sur la recherche-création dans le cadre du programme INDI, et je la développe actuellement dans le cadre de mes études doctorales dans le même programme. Pour ce projet, j’ai l’intention de collaborer avec différentes artistes-mères/mères-artistes issues de différentes disciplines performatives.

Crédit de photo: Mustafa Hacalaki

adjani poirier

Adjani Poirier est une artiste de théâtre multidisciplinaire qui se plaît à expérimenter avec l’art sonore et la radio de temps en temps. Elle s’intéresse à la création d’œuvres qui explorent l’expérience humaine dans toute sa beauté et sa laideur et apprécie particulièrement les récits qui révèlent à quel point il est complexe de naviguer dans un monde où les inégalités systémiques oppriment, mais où l’amour et les liens interpersonnels s’infiltrent dans les fissures, forts et ardents, pour nous insuffler la force de lutter et de vivre. Ses écrits font appel au réalisme magique pour explorer les idées de foyer, de désir queer et la façon dont le subconscient influence notre rapport à l’autre et à notre environnement physique. Ses pièces récentes comprennent Sinkhole (or six ways to disappear), présélectionnée pour le Tom Hendry Emerging Playwright Award de la Playwrights Guild of Canada; Scorpio Moon, présentée dans le cadre de la 2022 Queer Reading Series du Centaur Theatre; et Celebrity Dogs, présentée dans le cadre du projet national Plays2Perform@Home de Boca del Lupo. 

Avec le soutien du programme Alliance du MAI, Adjani développera sa nouvelle pièce One Spectacular Moment. Fiction historique et réalisme magique se rencontrent dans cette œuvre qui explore les liens entre la communauté noire historique d’Africville, le renouvellement urbain, le féminisme noir, la crise du logement actuelle dans les villes canadiennes et les mouvements activistes QTBIPOC des années 2010-20.

Adjani détient un diplôme de l’École nationale de théâtre du Canada, où elle a étudié l’écriture dramatique, et un baccalauréat en théâtre et développement de l’Université Concordia. Elle vit et crée actuellement dans sa ville natale de Tiohtiá:ke/Montréal.

Crédit photo: Alex Tran

jamila ‘jai' joseph

Jamila « Jai » Joseph est lauréate de l’accompagnement jumelé avec Playwrights’ Workshop Montreal (PWM) pour 21-22. 

Jamila « Jai » Joseph est une artiste interdisciplinaire de Montréal dont les principaux moyens d’expression sont la danse (plus de 20 ans), la chorégraphie (plus de 10 ans), la chanson (autodidacte depuis plus de 15 ans) et le théâtre (3 ans).

Récipiendaire du prix Victor Phillips du Black Theatre Workshop en 2002, Jamila a continué à créer, apprendre, se produire, se raconter et s’exprimer à travers ses œuvres. En 2015, Jamila a lancé JaiDanse, une compagnie de facilitation de la danse et de la performance dansée et a produit et coproduit des spectacles à la fois pour la scène et le théâtre dans des salles locales.
Entre 2017 et 2019, Jamila a eu le plaisir de se joindre à la distribution de How Black Mothers Say I Love You, écrite par Trey Anthony (Black Theatre Workshop, 2019) et de l’odyssée musicale a cappella de Nicole Brooke Obeah Opera (ASAH Productions, 2019), à Toronto. Pour son premier rôle sur scène en 2017, elle a interprété Lady in Purple dans la pièce For Colored Girls… de Ntozake Shange (Tuesday Night Café Theatre de l’Université McGill). Elle a repris ce rôle en 2018 dans une présentation en « rappel » produite par la troupe (Les 6 Productions).
Alors que nous nous sommes tous arrêtés au cours des deux dernières années, Jamila a utilisé ce temps pour parfaire sa pratique artistique et aiguiser ses outils créatifs en ajoutant quelques nouvelles cordes à son arc. Elle chorégraphie actuellement pour le théâtre (annonce à venir) et écrit également un scénario et une chanson pour Wild Roots, la pièce de théâtre performance sur laquelle elle travaille.

sophia wright

Sophia Wright (elle) est une danseuse, chorégraphe et créatrice basée à Tio’tia:ke / Montréal et travaille actuellement au sein d’un collectif avec l’artiste de danse et de théâtre, Alida Esmail. L’approche artistique de Sophia est nourrie par le désir de réunir plusieurs pratiques et communautés ensemble. Originaire de la ville de Calgary, Sophia a obtenu son baccalauréat en danse contemporaine à l’Université Concordia, et elle a continué ses études en Médiation culturelle à l’Université Sorbonne Nouvelle à Paris, France. C’est aussi là-bas qu’elle est devenue un membre actif de La Main, un collectif multidisciplinaire qui réunit des artisans, artistes et techniciens autour de créations communes. C’est à Paris toujours que Sophia développe un lien avec la communauté Sourde au travers d’une collaboration interculturelle et multilingue qu’elle cultive encore aujourd’hui. En parallèle de sa carrière en danse, Sophia approfondit son apprentissage en ferronnerie avec pour objectif d’intégrer à l’art de la scénographie des éléments de sculpture pour de futurs projets.

Crédit de photo: Alexandre Quillet

alida esmail

Née à Burlington, Ontario, Alida Esmail (elle) est une danseuse et artiste de théâtre basée à Tiotia:ke/Montréal. Elle est diplômée d’un baccalauréat en danse contemporaine de l’Université Concordia et un certificat en mouvement des arts et médias mixtes du Centre Attakkalari en Inde, et une maîtrise en sciences de la réadaptation de l’Université de Montréal. Elle a également suivi une formation en danse de salon internationale et en danse latine qu’elle utilise actuellement pour développer et faire connaître Liquid Lead Dancing, une approche non genrée de la danse en couple. Son identité en tant que Canadienne musulmane de deuxième génération, bilingue anglophone et femme de couleur vivant dans le climat sociopolitique du Québec inspire la mise en scène de son travail chorégraphique. En cherchant à trouver un sentiment d’appartenance, elle a également commencé à découvrir les souffrances inexprimées, les effacements, les traumatismes et les privilèges de sa généalogie ancestrale, passant de l’Inde à l’Afrique et au Canada.

Elle a récemment créé un collectif avec Sophia Wright et, avec le soutien de l’Alliance, elles établissent une collaboration avec l’artiste Sourde de théâtre Hodan Youssouf, afin de découvrir sa relation avec les thèmes susmentionnés. Le collectif a également été soutenu par le Plateau Mont-Royal, le Conseil des arts de Montréal, le Théâtre aux Écuries, la Maison de la culture du Plateau Mont-Royal et PTC (Playwrights Theatre Centre) Vancouver. À côté de sa carrière d’interprète, Alida est également impliquée dans des recherches innovantes sur les arts et la santé, qui ont été publiées dans des revues scientifiques à comité de lecture réputées.

 

Credit de photo: Douglas Rideout 

⇒ http://www.alidaesmail.ca/